Dalla Secessione viennese alla Body Art, il corpo cambia volto e diventa linguaggio, identità e protesta: il percorso di un secolo di arte attraverso 47 opere in mostra al MUVEC di Mestre
Come celebra il motto del Palazzo della Secessione a Vienna: “A ogni epoca la sua arte, a ogni arte la sua libertà”.
La libertà del corpo espressa simbolicamente dal primo capolavoro di Gustav Klimt, nella tensione femminile della Giuditta II, fino a giungere alla Body Art degli anni Sessanta e Settanta e alle performance di Ana Mendieta e Gina Pane: è questo l’arco temporale a cui guarda la nuova mostra del MUVEC – Casa delle Contemporaneità di Mestre, dal titolo Klimt, Schiele e Kokoschka e il corpo nell’arte contemporanea.
Iniziata il 26 settembre 2026, l’esposizione mette a nudo l’evoluzione artistica del corpo nel corso del Novecento riunendo 47 opere tra dipinti, disegni, grafiche, sculture e fotografie provenienti da musei e fondazioni europee e internazionali.
Le opere di Klimt, Schiele e Kokoschka e il corpo nell’arte contemporanea saranno in esposizione al MUVEC di Mestre fino al 14 febbraio 2027.
L’arte diventa esperienza per tutti
Oltre alla mostra, la Casa della Contemporaneità di Mestre propone il MUVE Education: un programma di percorsi guidati e laboratori rivolti a scuole e università, adulti e pubblici con specifiche richieste, riguardanti i temi toccati dall’esposizione.
Tra questi, il percorso Klimt, Schiele, Kokoschka e il corpo nell’arte contemporanea, il laboratorio Raccontare con il segno, ispirato alla tecnica della litografia e il percorso plurisensoriale Il corpo da vedere, toccare, immaginare, che integra l’esplorazione tattile con una riproduzione in rilievo della Giuditta II di Klimt.
Quest’ultimo percorso è specificamente pensato per anziani, persone con disabilità cognitive e ospiti di strutture residenziali e centri diurni.
La rivoluzione del corpo e la Secessione di Vienna
Il punto di partenza della mostra è la cosiddetta Secessione di Vienna, dove il corpo diventa simbolo e luogo reale di trasformazione artistica. Nel corpo riprodotto visivamente prendono vita le inquietudini, i desideri della modernità.
Gustav Klimt e i suoi seguaci Egon Schiele e Oskar Kokoschka furono gli avanguardisti che cambiarono la raffigurazione del corpo, partendo dalla figura femminile, spesso incatenata a stigmi sociali e culturali. Non a caso è Vienna l’epicentro di tale fenomeno, dove nei primi del Novecento si radunano intellettuali e scienziati volti a indagare il rapporto tra corpo, personalità, inconscio e sessualità.
Klimt, Schiele e Kokoschka calano la loro visione dalla realtà del corpo femminile alla sofferenza del medesimo, sia fisica che emotiva, fino a giungere all’astrazione dell’inconscio che si manifesta nelle deformazioni fisiche e cromatiche dei loro dipinti.
Questa destrutturazione dell’ordine precostituito fece sì che, tra gli anni Venti e Trenta del Novecento, i regimi autoritari provassero a restaurare visioni e figure atletiche (per l’uomo) e materno-patriottiche (per la donna), respingendo le differenze e le difformità esposte dalla secessione viennese. Tuttavia, in Italia, le opere di Felice Casorati, Guido Cadorin e Mario Sironi mostrarono un corpo sì lirico e ordinato, ma in un clima dissonante, solitario e malinconico, che tradiscono la verità disvelata dell’inconscio.
La guerra a metà del Novecento distrusse la capacità di rappresentazione del corpo, portando gli artisti degli anni Cinquanta a un recupero della capacità di rappresentazione.
Questa si esprimerà un decennio più tardi, nel Nouveau Réalisme all’Arte Concettuale e nella performance della Body Art, dove la lezione di Vienna si recuperò nell’utilizzo del corpo non come fine artistico, bensì come medium comunicativo, in cui i segni dettati del corpo trasmettono significati espressivi e autonomi.
Ciò si riflette nelle opere di Yves Klein e Piero Manzoni dal punto di vista artistico, a cui si aggiunge l’intento politico e il confronto con la realtà espresso da Ana Mendieta e Gina Pane. Mendieta e Pane modellarono il corpo femminile secondo il loro messaggio politico e poetico volto a denunciare la condizione della donna e l’uso strumentale del corpo femminile, portando a galla la lotta con la propria psiche nel corpo stesso e contemporaneamente elevando la carne come simbolo di rivoluzione.
Da rappresentazione a strumento artistico, dal rispetto canonico delle forme alla trasformazione fisica che permette al corpo di esprimersi, e quindi comunicare, secondo il proprio essere carnale e imperfetto. La mostra Klimt, Schiele e Kokoschka e il corpo nell’arte contemporanea rispecchia tale riflessione artistica, trasportando l’arte nel corpo e modificando quel motto viennese: “a ogni epoca il proprio corpo, a ogni corpo la propria libertà”.
Damiano Martin
